L’époque et l’environnement

Peaky Blinders se déroule dans l’après-Première Guerre mondiale, à Birmingham, en Angleterre. L’atmosphère sombre et industrielle de cette période est capturée de manière saisissante, transportant les spectateurs dans un monde où règnent la violence, l’intrigue et les luttes de pouvoir. Les décors et les costumes réalistes ajoutent une couche d’authenticité à l’expérience visuel.

L’intrigue intense

Au cœur de Peaky Blinders se trouve la famille Shelby, dirigée par le charismatique Thomas Shelby, interprété par Cillian Murphy. Les Shelby, membres d’un gang redouté, sont impliqués dans des activités criminelles, mais leur complexité les rend attachants. L’intrigue tissée avec habileté explore des thèmes tels que la loyauté, la vengeance et l’ascension sociale, captivant le public à chaque rebondissement.

Des personnages mémorables

La série est caractérisée par des personnages mémorables, chacun avec ses propres motivations et mystères. De l’impitoyable Thomas Shelby à l’inspecteur insaisissable Chester Campbell, chaque personnage contribue à l’ensemble complexe de l’histoire. L’excellence des performances d’acteurs donne vie à ces personnages, les rendant inoubliables.

Une bande-son épique

La bande-son de Peaky Blinders est une véritable œuvre d’art. Mêlant des classiques intemporels à des morceaux contemporains, la musique crée une atmosphère immersive. Les scènes d’action sont accentuées par des choix musicaux percutants, renforçant l’impact émotionnel de la série.

La réception critique et populaire

Peaky Blinders a reçu des éloges critiques pour son scénario intelligent, ses performances exceptionnelles et son esthétique visuelle. La série a également gagné une immense popularité auprès du public, générant une base de fans dévouée qui attend chaque saison avec impatience.

Les enjeux politiques et sociaux

Au-delà du monde du crime, Peaky Blinders explore les enjeux politiques et sociaux de l’époque. Les tensions post-guerre, les luttes de classe et les conflits familiaux offrent un contexte riche qui élève la série au-delà d’un simple récit criminel.

En conclusion, Peaky Blinders se distingue comme une série télévisée exceptionnelle, offrant une expérience cinématographique immersive. Entre son époque bien représentée, son intrigue captivante, ses personnages mémorables et sa bande-son épique, la série a su conquérir le cœur des spectateurs du monde entier. Plongez-vous dans l’univers sombre et envoûtant de Peaky Blinders pour une aventure pleine d’émotions et de rebondissements.

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Un pitch provocateur

« The Boys » prend place dans un monde où les super-héros sont omniprésents, mais loin d’être les sauveurs sans faille que l’on pourrait imaginer. Au contraire, ces héros sont souvent plus préoccupés par leur célébrité et leur profit personnel que par la protection des citoyens. L’histoire se concentre sur un groupe de personnes ordinaires, surnommées « The Boys », qui décident de s’opposer aux super-héros corrompus.

Des anti-héros mémorables

L’un des points forts de la série réside dans ses personnages complexes et nuancés. Les membres de « The Boys » ne sont pas des super-héros traditionnels, mais plutôt des anti-héros avec leurs propres défauts et motivations. Les acteurs livrent des performances exceptionnelles, apportant une profondeur émotionnelle à des personnages souvent ambigus moralement.

Une critique sociale tranchante

« The Boys » ne se contente pas de divertir ; elle sert également de miroir critique à notre propre société. À travers l’examen de thèmes tels que la célébrité, le pouvoir, et la responsabilité, la série soulève des questions importantes sur la nature humaine et les conséquences de ceux qui détiennent un pouvoir extraordinaire.

Esthétique visuelle remarquable

L’aspect visuel de la série est tout aussi impressionnant que son récit. Les scènes d’action sont réalisées avec une maîtrise visuelle remarquable, utilisant des effets spéciaux de pointe pour donner vie aux super-pouvoirs des personnages. L’esthétique sombre et mature de la série est accentuée par des choix de mise en scène qui renforcent l’impact émotionnel des événements.

Un triomphe critique et populaire

Depuis son lancement, « The Boys » a conquis à la fois la critique et le public. L’originalité de son approche, son courage à briser les conventions du genre, et sa capacité à surprendre continuellement les spectateurs ont contribué à son succès. Avec plusieurs saisons disponibles sur Amazon Prime Video, la série offre une immersion prolongée dans un univers où la frontière entre le bien et le mal est souvent floue.

En conclusion, « The Boys » n’est pas simplement une série de super-héros, c’est une exploration audacieuse des complexités morales et sociales qui entourent les figures de pouvoir. Si vous recherchez une expérience télévisuelle qui combine l’action palpitante, le drame poignant et une réflexion sociale profonde, « The Boys » est la série à ne pas manquer ! Plongez dans cette odyssée anti-héroïque pour un voyage inattendu au cœur d’un monde où même les super-héros peuvent tomber. Préparez-vous à être captivé et ébranlé à chaque tournant.

Vous préférez une série plus calme tirée d’un livre ? Celle-ci est faite pour vous : « Bridgerton » Découvrez L’envoutante Série Netflix ! (arteam.fr)

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L’Univers Étendu de Westeros : Un Monde Immergé

Westeros, le royaume fantastique où se déroule l’intrigue, devient un personnage à part entière. La série offre une immersion complète dans un monde riche en détails, des intrigues de Port-Réal aux mystères du Nord. La diversité des lieux renforce la complexité de l’univers créé par George R.R. Martin.

Les Personnages Complexes : Une Galerie Mémorable

« Game of Thrones » se distingue par son éventail de personnages complexes et mémorables. Des nobles aux marginaux, chaque personnage contribue à la toile complexe de pouvoir et d’intrigues. Les acteurs livrent des performances remarquables, incarnant avec intensité les héros, les anti-héros et les antagonistes.

Les Retournements Narratifs : Une Marque de Fabrique

La série est réputée pour ses retournements narratifs audacieux. Aucun personnage n’est à l’abri des tragédies, et aucune alliance n’est permanente. Cette imprévisibilité crée une tension constante et maintient les spectateurs en haleine, anticipant chaque virage inattendu.

Les Batailles Épiques : Du Spectaculaire à l’Émotionnel

Les scènes de bataille de « Game of Thrones » vont au-delà du spectaculaire pour évoquer des émotions puissantes. Des combats épiques aux moments de bravoure individuelle, chaque affrontement est soigneusement chorégraphié pour créer une expérience viscérale qui résonne au-delà de l’écran.

La Justification Émotionnelle de « Game of Thrones »

Au-delà de l’intrigue complexe et des batailles épiques, « Game of Thrones » excelle dans sa capacité à susciter des émotions profondes. Chaque mort, retournement, sacrifice est ressenti viscéralement. La série déchire les cœurs avec des moments d’euphorie et de désespoir.

Les liens entre les personnages, tissés habilement par les scénaristes, ajoutent une couche supplémentaire de complexité émotionnelle. Les alliances et les trahisons deviennent des tragédies humaines, transformant une quête pour le trône de fer en une exploration poignante de la nature humaine.

L’impact émotionnel de « Game of Thrones » va au-delà des écrans, laissant une empreinte durable dans la culture populaire. Fans se rappelleront longtemps des Noces Pourpres, derniers mots de Ned Stark et montée en puissance spectaculaire de personnages autrefois insignifiants.

Chaque personnage, loué ou vilipendé, contribue à l’histoire d’une manière transcendant le récit fantastique. « Game of Thrones » n’est pas seulement une série à succès, c’est une expérience émotionnelle laissant une marque indélébile sur le paysage télévisuel.

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Bryan Cranston : La Métamorphose Mémorable de Walter White

Bryan Cranston offre une performance magistrale dans le rôle de Walter White. Sa métamorphose, du professeur de chimie atteint d’un cancer au criminel redoutable, est une étude de caractère captivante. Cranston injecte une complexité émotionnelle à Walter, faisant de lui un anti-héros inoubliable, oscillant entre la sympathie et la répulsion.

Aaron Paul : La Force Émotionnelle de Jesse Pinkman

Aaron Paul incarne avec éclat Jesse Pinkman, un ancien élève de Walter et complice involontaire. La force émotionnelle de Paul donne à Jesse une profondeur qui va au-delà des stéréotypes du délinquant. La dynamique entre Cranston et Paul crée une synergie qui propulse la série vers des sommets émotionnels saisissants.

La Chimie Narrative de Vince Gilligan

Vince Gilligan, le créateur de la série, maîtrise l’art de la narration. Chaque épisode est un chapitre palpitant qui dévoile lentement les couches complexes de l’intrigue. Les retournements de situation inattendus et les choix moraux difficiles alimentent une tension narrative constante, transformant chaque moment en une expérience captivante.

La Photographie Visuelle de Michael Slovis

La série bénéficie également de la vision visuelle de Michael Slovis, directeur de la photographie. Sa composition minutieuse et son utilisation astucieuse des couleurs renforcent l’atmosphère sombre et oppressante de l’univers de « Breaking Bad ». Chaque plan devient une pièce du puzzle visuel qui contribue à l’immersion du spectateur dans cet univers implacable.

Breaking Bad : Une Plongée Palpitante dans les Abîmes de la Criminalité

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En effet, à l’instar de l’autre grand succès de Netflix, cette troisième saison est scindée en deux, comme si elle avait été tranchée par la lame imposante de Geralt de Riv (Henry Cavill). Vous voyez, Netflix vient de sortir les cinq premiers épisodes de la saison, les cinq autres devant arriver un mois plus tard. C’est un compromis acceptable entre le modèle de binge-watching que Netflix a pionnier et le rythme hebdomadaire qui a maintenu certaines des émissions les plus durables de la culture populaire dans la conscience du public. Le problème est que « The Witcher » lui-même a assez changé en tant que série pour que cette sorte de dynamique soit difficile à construire, surtout que cette saison est aussi frustrante que la précédente.

Une Structure Changée

Au bénéfice (et au détriment) de la série, la showrunner Lauren Schmidt Hissrich maintient la structure plus linéaire de la saison deux, abandonnant la confusion chronologique de la saison un pour quelque chose de beaucoup plus linéaire par la suite. À la suite de la finale de la saison deux, Geralt et Yennefer de Vengerberg (Anya Chalotra) réalisent que leur jeune protégée, Ciri (Freya Allan), est trop puissante pour rester à Kaer Morhen ; il y a trop de gens qui la poursuivent, de « Fire-F*cker » Rience (Chris Fulton) à la Confrérie des sorciers, tous voulant la tuer ou exploiter ses pouvoirs à leurs propres fins. Les trois fuient, formant une famille improvisée tandis que Yen essaie d’apprendre à Ciri à contrôler ses pouvoirs du Chaos.

Ainsi, les cinq premiers épisodes de la saison suivent les efforts continus de Geralt et Yen pour protéger Ciri et/ou neutraliser les menaces qui pèsent sur elle, connues et inconnues. C’est un bon format à ce stade de la série — de cette manière, cela ressemble à la saison trois de « The Mandalorian », avec Yen comme l’analogie de Bo-Katan, la mère féroce pour compléter le père réticent et sa jeune charge chaotique. Mais tout comme cette saison instable de « Star Wars », « The Witcher » a un équilibre instable entre le camp fun qui a rendu la série si attachante au départ et la construction de lore pondéreuse qui arrête cet élan joyeux net.

Des Intrigues de Palais et des Humours douteux

Pour commencer, les intrigues de palais semblent pratiquement doublées cette saison, avec beaucoup de « thé » et de « toi » et un ensemble de personnages auto-sérieux en robes surconçues bavardant dans des salles de conseil. Il y a beaucoup d’intrigues politiques parmi les représentants de pays tels que Redania, Temeria et Aretuza ; c’est une émission qui présente deux personnages nommés Vesemir et Vizimir. Les trahisons et les complots en coulisses deviennent si prodigieux et répétitifs que vous devez pratiquement tout écrire dans un carnet pour vous y retrouver, si cela vous intéresse.

Heureusement, « The Witcher » reste regardable (witchable ?) quand il tourne sa caméra vers notre joyeuse famille de sorcières ; l’émission fonctionne le mieux quand elle est plus « Hercule : Les voyages légendaires » que « Game of Thrones ». Le dialogue reste délicieusement archaïque, une grande partie de l’humour fonctionne toujours (ne vous inquiétez pas, cher lecteur, le barde Jaskier [Joey Batey] est de retour et plus caustique que jamais), et la première moitié de la saison se termine par un gala en costume — dans l’esprit de « Bridgerton », une autre production de Netflix — qui met enfin Geralt dans une situation où il ne peut pas trancher et découper son chemin vers la victoire.

Et les combats de monstres. Oh, les combats de monstres. Chaque épisode s’arrête au moins une fois pour permettre à Cavill et Allen de glisser en brandissant des épées et de jeter des sorts, et ce sont toujours les moments les plus palpitants de l’émission. Les designs de monstres restent suffisamment effrayants, d’un jackapace roulant à une mystérieuse créature de la grotte qui absorbe la chair de trois victimes et la manipule comme un énorme roi-rat humain, avec les têtes de ses victimes terrifiées criant de douleur et suppliant de clémence.

Le Dernier Souffle d’une Ère Révolue

C’est dans cette action pulp couverte de boue que bat toujours le cœur de l’émission ; s’il y a quelque chose qui me manque de la saison un, c’est que le récit morcelé vendait si fort la superfluité de l’intrigue que vous ne vous sentiez pas mal de ne pas savoir dans quel royaume vous vous trouviez vraiment. Vos yeux pouvaient simplement se vitrifier jusqu’à ce que Cavill dégaine cette épée et se jette sur une autre bête éldritche. Maintenant, vous en avez un peu, mais démêler l’intrigue ennuyeuse qui l’entoure ressemble à des devoirs.

« The Witcher » est comme une relique des jours heureux du streaming, un dernier souffle de l’époque où les séries de streaming de prestige à gros budget réussissaient réellement à percer et avaient une chance de trouver leur identité. Peut-être devrions-nous remercier notre bonne étoile que l’émission soit déjà à court de vapeur — et c’est avant que Liam Hemsworth ne reprenne le rôle de Cavill dans la saison quatre.

Mais en attendant, il y a encore beaucoup de cette énergie de grand guignol pour s’en sortir — le sourcil arqué de Cavill et ses grognements taciturnes, sa chimie avec Chalotra qui vole la vedette, le soulagement comique de Batey, et les bagarres de créatures à gros budget qui restent la raison pour laquelle vous continuez à appuyer sur « Épisode suivant ».

The Witcher Saison 3 | Bande-annonce

The haunting of Hill House, une autre série à découvrir chez arteam.

Autres critiques

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Un Héros et un Mystère

On ne rencontre jamais l’homme (du moins pas dans la première moitié de la saison de dix épisodes, diffusée le 6 juillet). Il n’y a pas de veuve en deuil ni d’enfants. Il n’est que le visage sur quelques panneaux d’affichage. Ainsi, sa mort est plus un casse-tête qu’une tragédie, quelque chose pour l’avocat de la défense Mickey Haller (Manuel Garcia-Rulfo) à démêler et à s’emmêler.

Le Charme des Relations Complexes

« The Lincoln Lawyer » excelle dans cet espace. Le meurtre hors champ de quelqu’un que nous ne connaissons pas permet à notre héros de rester fondamentalement bon, l’intrigue tournant davantage autour de qui va en prison que de qui est mort. Ce qui intensifie les enjeux, c’est que la personne jugée pour la mort de Bondurant, Lisa Trammell (Lana Parilla), est une amante de Mickey ; les deux couchent ensemble dans l’épisode d’ouverture de la saison.

La série prospère dans cette confusion. « The Lincoln Lawyer » est à son meilleur lorsque Garcia-Rulfo peut osciller entre un sourire enfantin épris et des tactiques légales éthiquement discutables. La deuxième saison lui offre de nombreuses occasions de le faire, grâce à Lisa et à ses ennuis juridiques, à sa proximité avec deux de ses ex-femmes, Maggie McPherson (Neve Campbell) et Lorna Crane (Becki Newton), et à quelques insinuations de la première saison.

Un Casting Attachant

C’est cette constellation — Mickey et ses femmes, dont Jazz Raycole dans le rôle de sa chauffeuse Izzy Letts — qui rend la série spéciale. Voici beaucoup d’adultes avec des histoires variées, tous s’efforçant de faire ce qui est bien, de trouver l’amour et le bonheur, et de se soutenir et de s’accepter mutuellement. Ils prennent des décisions difficiles et commettent des erreurs déchirantes, et c’est à la fois réconfortant et adulte, non pas une histoire de passage à l’âge adulte, mais plutôt une histoire d’âge adulte.

Un Mélange de Charme et de Vulnérabilité

Le charme de Mickey Garcia-Rulfo séduit partout où il va, mais sa vulnérabilité lui vaut vraiment des points. Il est sexy et honnête, avec assez de malice pour le rendre intéressant. Lorna de Newton mélange également jeu et fermeté, dégageant son charme. McPherson de Campbell est l’adulte dans la pièce qui doit prendre des décisions difficiles et en payer les conséquences. Mais elle n’est pas une harpie, elle est simplement consciente de qui est Mickey, qui elle est, et des limites nécessaires pour faire fonctionner leur amitié de co-parentalité.

Un Focus Éparpillé

Malheureusement, « The Lincoln Lawyer » ne maintient pas toujours son attention là où elle devrait. Dans la première moitié de la deuxième saison, elle passe beaucoup de temps avec Dennis ‘Cisco’ Wojciechowski (Angus Sampson). C’est l’enquêteur de Mickey, le fiancé de Lorna, et il est terriblement mal choisi. Ancien membre d’un gang de motards, Cisco conduit toujours sa moto et essaie de faire le bien, mais il apparaît simplement ridicule avec une voix rocailleuse exagérée — il n’y a ni danger ni sex-appeal — et des plans clichés où il enlève (et remet) ses lunettes de soleil aviateur.

Ainsi, « The Lincoln Lawyer » ne gère pas parfaitement tous ses éléments, mais elle a assez de qualités pour offrir un divertissement agréable et soigné. Ce qui fait le charme d’une émission comme « The Lincoln Lawyer », c’est qu’elle est censée être avant tout amusante. Sexy. Folle. Elle est axée sur l’intrigue, avec la chimie des stars qui rayonne à l’écran. Mis à part Cisco, elle tient la promesse.

L’Éclat de Los Angeles

Une partie de son éclat réside dans sa réalisation. Los Angeles est un personnage à part entière ; la ville n’a jamais eu l’air aussi bien que depuis le balcon de Mickey. Le public peut être habitué à cette version de Los Angeles avec ses ciels bleus, ses palmiers et ses gratte-ciel. Mais « The Lincoln Lawyer » fait quelques choses justes au sujet de cette ville souvent mal représentée que tant d’autres productions ignorent (ou nient activement) — le fait que Los Angeles est tout simplement très latino.

Il s’agit de la ville ayant la deuxième plus forte concentration de personnes d’ascendance mexicaine au monde (après la capitale du Mexique). Un endroit qui est au moins à moitié latino. Et bien que la plupart de Hollywood semble ignorer (ou nier activement) ce fait, « The Lincoln Lawyer » le célèbre. Il y a l’accent de Mickey. Lui parlant espagnol. Discutant de sa compétence en espagnol avec d’autres Latinos. C’est dans la nourriture que les personnages mangent, les noms des rues, les figurants tout autour.

Ces petits détails ne transforment pas « The Lincoln Lawyer » en une émission destinée exclusivement au public latino. Ils ne la rendent pas politique ni sérieuse. Ils ajoutent de la texture et une touche de réalisme, ancrant nos personnages dans leur métropole multiraciale et les libérant pour résoudre des meurtres, avoir des relations sexuelles et exécuter leurs plans farfelus. C’est un type d’émission télévisée à l’ancienne. Et sa formule, habilement mise à jour et exécutée, fonctionne toujours.

The Lincoln Lawyer saison 2 | Bande-annonce

Autres critiques

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Un Pionnier Méconnu

Là où la culture américaine mainstream vantait l’image culturelle du cow-boy blanc — Wyatt Earp, Doc Holliday — Bass Reeves était le premier, et l’un des seuls, exemples noirs de cette figure à être autorisé à entrer dans la conscience collective. Il était une figure de proportions mythiques, même dans la réalité : un esclave évadé devenu un homme de loi légendaire qui a capturé plus de trois mille criminels au cours de ses 32 années en tant que marshal des États-Unis. On dit qu’il citait des passages de la Bible à ses prisonniers sans jamais avoir appris à lire ni à écrire ; certains d’entre eux se convertissaient même. D’autres légendes affirment qu’il est le modèle du Lone Ranger.

Les Origines de Reeves

Dans « Lawmen: Bass Reeves », produit par Sheridan, nous suivons sa trajectoire d’un participant involontaire du mauvais côté de la guerre civile à l’un des premiers (et meilleurs) dispensateurs de justice de l’Amérique. Interprété par David Oyelowo (qui est également producteur exécutif), Reeves est une figure d’une ampleur titanesque, malgré des débuts modestes : dans le premier épisode d’une heure, on le voit sous le joug de son maître, le général confédéré George Reeves (Shea Whigham, toujours fiable pour incarner des monstres historiques), forcé de participer à une bataille perdue sous peine de mourir définitivement s’il déserte. Néanmoins, George choisit d’abandonner le combat et de ramener Bass à leur plantation, où l’attend sa femme, Jennie (Lauren E. Banks). Ivre et admiratif de la capacité de combat de Bass, George le taquine avec sa liberté s’il le bat à un jeu de cartes. Le jeu, comme toujours pour les Afro-Américains en Amérique, est truqué, mais même si George peut contrôler les cartes, il ne peut pas contrôler la direction des poings de Bass.

Un Récit de Fuite et de Liberté

Ainsi commence une fuite désespérée vers la liberté pour Bass dans un premier épisode stark qui sert de quelque sorte d’histoire d’origine de Reeves. Il fuit les chasseurs d’esclaves et passe un certain temps dans la nation séminole pour apprendre la langue et aider une veuve désespérée (Margot Bingham) et son fils (Riley Looc) avant qu’une tragédie ne le ramène à sa vie bien-aimée et humble d’agriculteur. Plusieurs années et autant de récoltes ratées plus tard, une rencontre fatidique avec un marshal bourru (Sherrill Lynn, vulgaire et gravelly, interprété par Dennis Quaid) le convainc de sa meilleure destinée : nettoyer l’Ouest sans loi à la pointe d’un fusil.

La Responsabilité Morale et Spirituelle

Le reste des quatre premiers épisodes, tous réalisés et tournés avec une photographie numérique nette, bien que plate, par Christina Alexandra Voros, raconte les premiers tests de la détermination de Bass dans son travail. Oyelowo lui insuffle une sorte de fraîcheur stoïque, une détermination cachée sous une moustache épaisse à la « Shaft » croisée avec « Gunsmoke ». Il est aussi rapide avec un humour sec qu’avec un pistolet, mais il n’est pas un plaisantin ; Reeves se comporte avec le poids de l’histoire de son peuple, sans oublier la sienne. Il prend son travail au sérieux et se délecte parfois de sa compétence. Il excelle même dans le travail d’infiltration, élaborant des plans pour mettre ses cibles en menottes pendant qu’elles sont ivres et inconscientes.

Un Regard Profond

Mais l’un des aspects les plus intéressants de la série, et espérons-le, se développe au fur et à mesure que la saison avance, est le coût moral et spirituel qui accompagne ce travail. « Ce genre de travail exige un tribut », déclare le juge Parker (Donald Sutherland, arborant une barbe expertement entretenue pour les photos de l’Old West) à Bass lorsqu’il lui offre le travail ; Reeves semble payer surtout par le temps qu’il perd avec sa famille quand il est absent. Oui, c’est amusant de le voir poursuivre des méchants à cheval ou de négocier son chemin hors de situations tendues. Mais tout le temps, nous revenons à Jennie qui tient fermement son foyer, surveillant étroitement sa fille aînée (Demi Singleton) et le garçon (Lonnie Chavis) qui la courtise évidemment, et plus encore. À chaque retour de Reeves, il y a un autre enfant en route ; quelqu’un a grandi, quelque chose a changé. Il est témoin de la laideur du monde pour les protéger.

Le tout est si assuré et patient, ponctué de rafales d’action western vraiment excitantes. Oyelowo est entouré d’un casting accueillant de « bons vieux garçons », de l’ex-confédéré dérangé de Barry Pepper au marshal aux yeux sauvages de Quaid, qui sert de premier partenaire d’office. Garrett Hedlund et Forrest Goodluck apparaissent en tant que partenaires de Reeves au début de sa carrière, chacun commençant d’un côté de la loi et flirtant avec l’autre à la fin. (Sont particulièrement bienvenus des acteurs de caractère comme Dale Dickey et Rob Morgan, qui pimentent le quatrième épisode avec des complications particulières sur la moralité en noir et blanc que Reeves est chargé d’imposer à l’Ouest en mutation.)

Une Réussite Thrilling

Bien qu’elle tombe parfois dans les pièges bien usés par le complexe Sheridan, « Lawmen: Bass Reeves » est comme un retour passionnant aux aventures western d’antan, centré sur l’un des héros noirs les plus loués de l’histoire américaine. Espérons que cette série connaîtra suffisamment de succès pour que d’autres émissions « Lawmen » voient le jour. Qui sera le prochain ? « Lawmen: Wyatt Earp » ? « Lawmen: Charlie Bassett » ? « Lawmen: Giuseppe Petrosino » ?

Lawmen: Bass Reeves | Bande-annonce

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